Evolucionar, crear mitos ( III )

Después de las dos anteriores entradas, llega la última.

Tras el descontento del año anterior quise presentarme al concurso, no con vistas a ganar, sino con la intención reivindicar unos cambios en la fiesta que creo que son necesarios. A mi parecer, la parte más importante de la fiesta, los monumentos, carecen cada vez más de ese sentido crítico y satírico que antaño caracterizaba las fallas, dándose hoy en muchos casos fallas con contenido muy light.

 Ocurre lo contrario con la estética: si el contenido ha ido perdiendo con el tiempo, la estética permanece mayormente atascada. Con esto no me refiero a que no haya comisiones que apuesten por fallas innovadoras o con estilos más modernos, sino que el jurado que se encarga de dar los reconocimientos en forma de premios suele valorar muy por encima lo clásico, lo típico y lo políticamente correcto.

La consecuencia es que la mayoría de comisiones ceden a fallas con un estilo pasado y explotado, perdiendo así la fiesta gran variedad en los monumentos.

Y esto sucede también con los carteles: se les da una importancia vital a la figura de la fallera ( cuando personalmente creo que hay puntos mas importantes en la fiesta), el jurado lo premia y como consecuencia al siguiente año la exposición está plagada de carteles con falleras.

Con todo esto, finalmente me planteé hacer un cartel moderno, actual, directo y sencillo, que huyera de lo típico, pero que se identificara con la fiesta. El resultado, «Evolucionar, crear mites ( Evolucionar, crear mitos)».

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Sobre un fondo texturado de color blanco compuse una llama puramente geométrica de color naranja-rojo intenso, en centro exacto dejé la rotulación del cartel, de color negro y desgastado y envuelto por la llama, y escapando de esta un elemento clave de la obra con la misma estética. Compensando el desequilibrio que producía la llama al curvarse, coloqué una luna en el lado opuesto que además me servía para situar la escena en un contexto: la nit de la cremà. El colorido busca un fuerte contraste de la llama sobre todo lo demás. Como podemos observar, rótulo, boceto, luna y fondo están ejecutados en blanco y negro, destacando así la llama y dándole al fuego, el protagonista de la fiesta ( y no las falleras), mayor importancia.

El dibujo abocetado que escapa de la llama es la parte central de una falla mítica e histórica: «De València a Nova York en les ales d’un parot ( De Valencia a Nueva York en las alas de una libélula)».

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La temática de esta falla, del artista Carlos Cortina y del año 1929, giraba alrededor de los avances en el transporte y centraba su importancia en los vuelos que se estaban produciendo para cruzar el Atlántico. Pero estos eran caros y no asequibles para la población más humilde así que en el monumento se planteó lo siguiente: Vamos a coger una libélula ( animal típico de la albufera de Valencia), le damos de comer paella y de beber agua ardiente hasta que alcance  un tamaño de aproximadamente 15 metros, la atamos a una vagón de tranvía y que nos lleve a todas partes. Esta temática junto a lo rompedor del monumento en cuanto a forma y tamaño le permitieron a la comisión ganar el premio a la mejor falla.

Si elegí este monumento fue para recordar que la fiesta a llegado hasta lo que es a través del cambio, de la renovación, de la evolución. Esta es una falla que ha pasado a la historia porque en su día rompió todos los esquemas, y con esto he querido reivindicar que si la fiesta permanece atascada años atrás, si no se busca innovar, se perderá del todo la razón de ser de la fiesta y se convertirá en algo banal y sin contenido.

Este elemento, símbolo del cambio y de la innovación, escapa de las llamas y vuela hacia lo atemporal, donde se convertirá en mito.

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Como era de esperar y sin sorpresas, de cara al jurado este cartel pasó totalmente desapercibido, sin más, pero yo me sentía una vez más contento porque había hecho un buen trabajo y además muy personal: una llamada a la evolución de la fiesta se convirtió en el elemento clave de mi evolución en el mundo del diseño.

Pero  mi mayor sorpresa fue leer críticas y reacciones positivas sobre mi obra: a la gente le gustaba, y además, entendían el mensaje y lo compartían. Para mí esto fue muchísimo mejor que cualquier premio o reconocimiento, porque mi finalidad era esta y no ganar, así que finalmente me podía dar por satisfecho.

Vendrán nuevos concursos, nuevas ideas, nuevos retos, pero no se enfocarán de manera provechosa si no se echa un vistazo atrás.

Me ha encantado poder compartir mis experiencias en este blog ( aunque pido disculpas por haberlo hecho en parte fuera de plazo), y espero que os haya resultado al menos entretenido. Y con esta última entrada me despido del blog y aprovecho para desearos Feliz Navidad y prospero 2013.

Hasta pronto !

Correplatano

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EL ARTE EN PLENA CALLE

Al igual que el anterior post, este es otro de mis curioseos por internet.

En realidad, vi el vídeo rondando por ahí hará cosa ya de tres años, cuando en el instituto dábamos psicología (no me preguntéis porqué dábamos estas cosas en psicología, jajajaja)

Me gustó bastante, creo que puede ser una forma diferente de entender el arte, de plasmar la obra de otra forma que no sea pegada a una pared y en un lienzo.

Digamos que este arte urbano, consigue lo que otros estilos como el body art o el land art ya hacen, intentar implicar al máximo al espectador mediante otros métodos más ingeniosos.

Disfrutad pequeños, disfrutad del video:

Un abrazo

Erató y Melpómene

Pilladainfraganti

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LA MÚSICA MÁS ALLÁ DEL TELÓN

La música al igual que el arte, está en algunos aspectos desvalorados, en otros se supervaloran hasta obras que puede hacerlas un chiquillo de tres años sin el mínimo esfuerzos, pero no hablo de eso.

Hablo de la forma, de los medios con qué hacerla posible, de las NO LIMITACIONES del hombre si éste en realidad se lo propone y eso, eso creo que si que tiene valor.

Me parece la espectacular habilidad de este hombre para con unos objetos mínimos, crear verdadera música, creerme  he visto muchas cosas por el estilo, pero nunca han llegado a sorprenderme tanto.

INCREÍBLE.

Espero que lo disfrutéis.

Un saludo

Erató y Melpómene

Pilladainfraganti

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EL TENEBRISMO: CULTO AL MAESTRO CARAVAGGIO

Michelangelo Merisi da Caravaggio, artista de finales del XVI, principios del XVII, es considerado el primer gran exponente del Barroco italiano. Tenebrista y naturalista por excelencia.

El maestro nos acerca al claroscuro, a las luces y sombras reveladoras y a los dioses llevados a un campo más terrenal.

AUTORRETRATOS

Cabeza de medusa

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Baco

Se dice que realizó el cuadro antes de su muerte, cuando enfermó de malaria, de ahí a que pintara un Baco enfermo.

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OTROS

Narciso

Narciso prendado de su propia imagen, víctima de ella, legando al idioma una palabra incorporada al habla cotidiana: narcisismo.

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Judith decapitando a Holofermes.

Escena cruda, cruel, pero especial delicadeza.

Sirvió de ejemplo y se repitió en otros artistas posteriores, como Artemisia Gentilleschijudith

Cupido victorioso

Realiza una representación del Amor por encima de las artes, las ciencias y el gobierno.

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Conversión en el camino a Damasco

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David y Goliath

Espléndida utilización del claroscuro y el escorzo, momento crítico en el que David mata a Goliath.

Me encanta esta obra.

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ESCENAS RELIGIOSAS

La vocación de San Mateo

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La flagelación de Cristocaravaggio_flagellation1

El éxtasis de San Francisco.

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La incredulidad de Santo Tomásst-thomas

La muerte de la virgen

Me chifla esta obra, hace tiempo que quería ponerla por aquí en alguna entrada.

Relata la muerte de la virgen pero de una forma peculiar y que causó controversia en su época.

 El cuadro fue encargado por la iglesia de Santa María de la Scala de Roma.

Cuando el pintor finalizó la obra, ésta fue rechazada porque se consideró herética. Parece ser que había un rumor en Roma que decía que para darle más realismo al cuadro, el pintor había utilizado como modelo para representar a la Virgen el cadáver de una prostituta que había aparecido flotando en el río Tiber. Imaginaos, todo un escándalo.

Pintó una mujer descompuesta, con el vientre hinchado (de ahí la teoría de ahogamiento) y con las piernas descubiertas, con el pelo desordenado y la piel verdosa, no tenía precisamente un halo de divinidad.

El pueblo rechazó este tipo de representación ellos querían ver en las representaciones seres ideales que los alejasen de sus penurias diarias no verse reflejados en las imágenes celestiales. El cuadro llegó a considerarse un sacrilegio.

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Yo en cambio creo que denota gran realismo, sentimiento, minuciosidad, las texturas de algunos de los trajes parece casi palpables, es extraordinario el trágico momento que relata,  indistintamente de que fuese fijándose o no en una modelo real, que fuera o no prostituta.

Espero disfrutéis tanto de sus obras como yo.

Un saludo

Erató y Melpómene

Pilladainfraganti

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El Espejo del Cielo

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Las Tablas de Daimiel (Castilla-La Mancha) durante una visita del instituto en 1º de Bachiller.

Considero este lugar como uno de los rincones más bellos de nuestro país, una muestra de que no hace falta irse muy lejos para quedar ensimismado con la contemplación de un paisaje fuera de lo común. La magnificencia y la  sencillez se encuentran a la perfección.

Me encontraba absorto en su contemplación cuando nos llamaron la atención. Llegábamos tarde al autobús con lo que forzosamente tuve que salir de mis cavilaciones y dejar atrás aquel lugar con el tiempo apenas suficiente para sacar esta fotografía que, aunque no le haga justicia, deja entrever la belleza de este parque natural.

Te hace sentir pequeño. Si no fuera por la franja de tierra y vegetación que se aprecia al horizonte no sabría muy bien donde acaba el agua y  empieza el cielo, indiscutibles protagonistas del lugar.

La tenue luz de la tarde invernal bañando toda la escena contribuye a crear un espacio que incita a la contemplación. A pararse un momento y  pensar. ¿Pensar en qué? Eso no importa. Sólo quedarse en silencio y mirarse un instante a uno mismo, entre el agua y el cielo.

Lamonarugosa

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Camel ART Collection

Es necesario fijarse. Mirar las cosas dos veces. Pero tenemos arte hasta en la sopa. Otro ejemplo de  su influencia en la publicidad que he decido traer al blog es la magnífica “ART Collection”, de la marca de tabacos Camel Filters.

Varias corrientes artísticas, con sus autores más representativos, son escogidas para esta imaginativa campaña publicitaria, la cual ganó algunos premios relacionados con el diseño y la publicidad. No me importaría tener alguna de estas cajetillas…

Empezamos con mi predilecto, «El Árbol de la Vida» de Gustav Klimt. La inspiración es más que evidente, sobre todo por las ramificaciones ,presentes en la mayor parte de la composición, y el colorido de los ornamentos. Entrando en detalles, los ojos egipcios, recuperados del cuadro de Klimt, son muy adecuados para una marca de tabacos que tiene como icono a un camello.

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«Noche Estrellada» de Van Gogh. Misma pincelada  agresiva, peculiar uso del color como aproximación al posterior fauvismo, composición… no hay duda.

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Otra de Van Gogh. «La Habitación». Reinterpretación de la obra más sobria. Se observan cambios en las disposición de los objetos y la eliminación de muchos de ellos pero la esencia sigue siendo la misma.

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También he encontrado una versión de «El Grito» de Edvard Munch. Lástima que el camello no sea tan expresivo…

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«Nacimiento de Venus» de Botticelli»

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Piet Mondrian y su «Composición en Amarillo, Rojo y Azul»

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Estas cajetillas que ya hemos visto hacen referencia a cuadros concretos. También las hay no tan específicas. Inspiradas, de manera más global ,en la obra de algunos de los grandes maestros de la pintura a lo largo de la historia del arte. O de distintos movimientos artísticos.

POP ART

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ARTE PSICODÉLICO

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CUBISMO

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EXPRESIONISMO ABSTRACTO

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SURREALISMO

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Cajetillas basadas en la obra de artistas como Joan Miró:

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O en los gordos de Botero:

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Incluso tomaron la idea de recrear las pinturas rupestres:

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No se si os habréis fijado, pero la mayoría de los artistas y obras escogidos para la colección fueron rupturistas. En algunos casos supusieron un antes y un después en la concepción artística de su tiempo. Parece ser que la campaña publicitaria estaba encaminada a subrayar la supuesta exclusividad de sus clientes. En fin, tonterías publicitarias…y recordad que fumar puede matar, y algunas cosas peores.

Lamonarugosa

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A solas con Príapo

priapo (1)La asignatura de Historia de Arte está llegando a su fin, se va haciendo la hora de ir cerrando el chiringuito, las últimas entradas se suceden apurando hasta el o minuto y creo que es el momento de hacer una última entrada que, de una forma u otra, ponga el punto y final a mi papel en este blog. Esta entrada tendrá como protagonista a Príapo, dios menor rústico greco-romano de la fertilidad y el cual da nombre a éste, nuestro blog y el de todos vosotros. Y es que, como decía, este dios de la antigua Roma con influencias griegas era símbolo de la fuerza fecundadora de la naturaleza y la fertilidad, tanto de la vegetación como de todos los animales relacionados con la vida agrícola, y un personaje puramente fálico. Era adorado como protector de los rebaños de cabras y ovejas, de las abejas, del vino, de los productos de la huerta e incluso de la pesca.

Existen distintos mitos sobre el origen de Príapo pero el más admitido sitúa el nacimiento de Príapo en Asia Menor, siendo hijo de Dionisio y Afrodita. Pero Hera, por su odio de madrastra contra el primero y celos contra la segunda, maldijo al niño para que naciese deforme. La deformidad consistió en un pene de dimensiones extraordinarias. Afrodita, temerosa de la burla de los dioses, lo abandonó en el monte donde fue recogido y criado por unos pastores, que acabaron rindiendo culto a su virilidad. Así nació Príapo como dios campestre, pero es sin duda su colosal pene lo que ha trascendido hasta nosotros. Tan famoso y tan colosal como que en algunas pinturas aparece sostenido por una especie de balanza.

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“Me preguntas por qué llevo mis partes sin cubrir; date cuenta de que ningún dios oculta nunca sus armas”

Muchas son la leyendas, los dichos, las citas, las curiosidades y las historias que circulan sobre este dios, bajo mi punto de vista tan interesantes, de las cuales aquí os dejo algunas:

  • «Príapo poseía un enorme falo, un gigantesco órgano sexual masculino que parecía labrado en mármol»
  • ……el día del desfile, a plena luz del sol Príapo y su enorme pene engrasado eran arrastrados sobre un carro tirado por jóvenes sátiros. El falo de priapo era tan grande y pesado que el carro tenía que ser equilibrado con contrapesos de plomo. Venía precedido por señoritas de las mejores familias, las “canéforas” o portadoras de las canastas sacrifícales, llenas de manzanas, higos y vinos
  • Heródoto dice que en Egipto se desfilaba sosteniendo títeres cuya única parte móvil era precisamente el falo, el cual era tan largo como la mitad de la estatura del títere.
  • Una arqueóloga, Eva Kuehls, cita a un autor antiguo, Kalixeinos de Rodas, testigo de una procesión celebrada en Alejandría, en 275 a.C. Reporta que se exhibió un falo de madera de 180 pies de largo, dorado. De haberse colocado en posición vertical, aquel órgano hubiera sido tan alto como un edificio moderno de veinte pisos. Esta increíble pieza desfiló en una ciudad que contaba con medio millón de habitantes, quienes con gran fervor entonaban himnos a Dionisio al paso de aquella desmesurada erección……
  • Cuenta la leyenda que Lotis, ninfa amada por Príapo y a la que éste perseguía continuamente, pidió a los dioses ser transformada en planta: loto. ¡Tal era el espanto ante tan desarrollado miembro!. Este mito recuerda al de Apolo y Dafne. Y aún otra leyenda tardía cuenta que la diosa romana del hogar, Vesta, se despertó con los rebuznos del asno, animal que la aterraba, en el momento en que Príapo la poseyó.

priapoÉste joven y obsceno dios era considerado una divinidad rustica menor. ¿Menor? Su falo desproporcionado en perpetua erección simbolizaba la fuerza fecundadora de la naturaleza. ¿Acaso no es entendible que muchos poetas le dedicaran a su figura algunos versos, como el gran poeta alcarreño Jota Siroco en su “Oda a Príapo”?:

ODA A PRIAPO

Este falo capón que ves ahora
capullo de algodón ya sin sentido
fuera otro tiempo verga vibradora.
Fuera otrora magnífico badajo,
cucaña, mástil, espolón altivo…
sin rodeos, mi amor, un buen carajo.
Este morcón con aires de morcilla
nació caña de lomo y fue chorizo
enhiesto cual Giralda de Sevilla.
Monstruo sedente hoy, en horas bajas,
no queda a su placer otro destino
que el lúbrico manubrio de una paja.
Compadeciose ella del otoño,
cayo la falda, le mostro el chumino
y a Príapo dejó besarle el coño.

Un tío sin duda a destacar nuestro héroe, capaz de achantar a cualquiera. Cuenta la tradición que cierta vez tuvo algo más que palabras con un asno a causa de la polémica suscitada por la comparativa de los respectivos miembros viriles. Por supuesto ganó nuestro protagonista la disputa y además mató al jamelgo como escarmiento.

Priapo (2)Los romanos solían colocar en sus jardines estatuas de Príapo con objeto de garantizar una cosecha abundante, al tiempo que hacía las veces de espantapájaros. Consideraban que propiciaba las buenas camadas en los rebaños y cosechas abundantes. Por ende, Príapo alejaba el mal de ojo y su estatua protegía la huerta de los ladrones.  En este papel de protector y guardián, se describe a Príapo haciendo uso de la sodomía como amenaza hacia los intrusos, a los que ocasionaba un largo escalofrío al soltarles las palabras que a continuación transcribo:

“Quae percider puer, moneo, futuere puella” “barbatum furem tertia poena manet”.

(Te sodomizaré muchacho, te lo advierto; a ti muchacha te follaré; al bárbado ladrón la tercera pena es la que le espera).

“Ne prendere, cave. Traiectus conto sic extendere pedali ut culum rugam non habuisse putes”.

(Ten cuidado no vaya a cogerte. Atravesado por mi percha descomunal, quedarás tan estirado que nunca pensarás que tu culo tenga curva alguna).

Cabe destacar que la tercera pena es la irrumación, del latin “irrumatio” y supone una variante de la felación, concretamente el sexo oral sobre el pene y el escroto. El irrumador -el hombre cuyo pene es chupado- es quien realiza todos los movimientos sobre la persona que recibe el pene en su boca.

En Roma el culto a esta divinidad menor estaba muy extendido en comparación con Grecia y eran muy comunes las inscripciones y carteles con Príapo como protagonista. A veces, advertencias contra ladrones e intrusos que recibirían el castigo marca de la casa (ya hemos visto que a éste le daba por amenazar a todo el mundo con duros y dolorosos castigos basados en la penetración), otras veces divertidas alusiones mitológicas.

priapo2Otros escritos que merecen ser nombrados en esta entrada son los Priapeos, una colección de 80 poemas erótico-festivos de extensión breve que tienen como tema básico al dios Príapo hablando en primera persona a sí mismo o a un devoto o simplemente inspirados en él. Vale, no es Homero ni Horacio, pero al fin y al cabo esta literatura poética popular, aunque heterodoxa, no deja de ser clásica. A continuación os dejo una selección de estos Priapeos Romanos.

  1. Aunque como ves yo, Príapo, soy de madera, igual que de madera son mi hoz y mi verga, te cogeré y teniéndote así te la meteré toda entera, por muy grande que sea, más tensa que una cítara, hasta la séptima costilla.
  2. ¿De qué te ríes, tontita? No me hizo Praxíteles, ni Escopas, ni fui esculpido por la mano de Fidias; fue un campesino el que cogió un tronco en bruto y me dijo: Tú, sé Príapo. Pero ya veo que me miras y te ríes. Debe parecerte muy sabrosa esta cosa que se eleva como una columna entre mis ingles.
  3. Para quien aquí cortase una violeta o una rosa, o robase alguna fruta u hortaliza sin pagarla, pido que, sin tener mancebo ni mujer, reviente de una erección como la que en mí veis y tenga que golpeársela sin cesar en el ombligo.
  4. Este cetro que, procedente del árbol, nunca más volverá a reverdecer, este cetro que reclaman para sí las jovenzuelas lujuriosas, que algunos reyes desean tomar entre sus manos y que besan los nobles sodomitas, se hundirá en las entrañas del ladrón todo entero hasta la empuñadura de los cojones.
  5. Oh, Quírites, o me cortas el miembro viril que noche tras noche fatigan las vecinas siempre calientes y más lujuriosas que los gorriones en primavera, o reventaré y os quedaréis sin Príapo. Ya ves que estoy jodido, agotado, pálido y macilento, yo que antes, rubicundo y valeroso, solía atravesar hasta a los ladrones más fuertes. Ahora, pobre de mí, me faltan las fuerzas, y escupo peligrosos esputos entre espasmos de tos. (nuestro héroe en decadencia).
  6. Que me muera, oh príapo, si no me avergüenzo de decir palabras torpes y obscenas. Pero como tú, siendo dios, muestras sin pudor los huevos al aire, debo yo llamar al coño coño y a la verga verga.
  7. “Oh, Priapo, amenazador con tu hoz y con esa otra parte aún mayor, indícame, por favor, el camino a la fuente” “Ve, forastero, por esas viñas; pero si coges una sola uva, otra agua tendrás que tomar.”
  8. El rey del rayo es Júpiter. De Neptuno el arma es el tridente. Poderoso gracias a su espada es Marte. La lanza, Minerva es su atributo. Con el tirso emparrado, Baco entabla el combate. La mano de Apolo lanza la flecha, como todo el mundo sabe. Arma la pica invicta la diestra de Hércules: más a mí un carajo erecto, me hace terrorífico.
  9. Si a robar viniesen una mujer, un hombre o un muchacho, que aquélla presente su coño, aquél su boca, éste sus nalgas.

Y después de esta impresionante exhibición de poesía clásica dedicada a esta deidad tan curiosa, voy a cerrar mi participación en este blog con estos sutiles versos que exhalan cual finísimo surtidor los labios de Príapo:

“Donec proterva nil mei manu carpes,
Licebit ipsa sis pudicior Vesta.
Sin, haec mei te ventris arma laxabunt,
Exire ut ipsa de tuo queas culo.”

(Mientras no robes nada con esa atrevida mano,
podrás mantenerte tan casto como la mismísima Vesta.
De lo contrario, esta arma te abrirá en canal de tal modo
que podrás salirte entero por tu propio culo).

Un abrazo, y hasta siempre.

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Gatónidas

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Un día pasado por nieve

Un día pasado hace un par de años estaba en la Escuela Superior de ingenieros Agrónomos de Albacete perteneciente a la U. de Castilla-La Mancha.

nevaoUn día a la hora de salir de clase resulta que nos asomamos a la ventana de ahí esta instantánea de uso frontal quedando al centro y a la izquierda otra parte de la escuela y a la izquierda un centro de investigación informática quedando la composición repartida y centrada y resulta que estaba nevando, algo típico en invierno allí por la meseta manchega.

Había un problemilla, resulta que el campus está algo alejado de mi casa y por ello iba y venia en bicicleta. Por lo obvio no podía montarla aquel día a no ser que quisiera pegarme una buena ostia.

Con lo que me tocó ir andando llevando la bici al lado mientras nevaba, deseando llegar a casa a ponerme calentito pegandome la nevada a mis espaldas como quien dice.

Resulta que al día siguiente un fotógrafo profesional publica unas fotos en el tablón de la facultad después de la nevada quedando así:

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Como se puede apreciar, una bonita estampa navideña de cielo ya despejado que hace impracticable la entrada al centro y tras la cual los obreros de la calle tuvieron que hacer un gran trabajo para poder ir al día siguiente a clase.

-Saludos invernales y sobre todo en estas fechas,

 Carhannah

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UNA CASA DE ARTISTAS, QUE DEJÓ DE SER CASA

La Casa Museo de José Benlliure, edificio de finales del XIX y principios del XX, pertenece a una arquitectura ecléctica, en la que se busca que el edificio exprese la revolución industrial, mezcla el arte mudéjar y neomudejar (del sur de España), Románico (Barcelona), Gótico  (Inglaterra) y elementos del clasicismo.

La casa fue reformada y se cambió la fachada exterior, las ventanas y la estructura.

Se trata de una vivienda típica en la burguesía.

Aunque la ordenación típica de la casa burguesa (vestíbulo, salas de filtro, salas de visita, despacho en algunos casos, baño, dormitorios, salón y comedor) en este caso no era muy estricta.

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Entrada y vestíbulo.20121109_105947

Diré que con lo curiosa que soy no pude evitar levantar la tapa del piano para ver las teclas y me riñeron los chicos de seguridad, jajajaja

No obstante mereció la pena, es verdaderamente antiguo y fascinante.

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Comedor

Despacho20121109_10562820121109_105652  

Antesala de visitas20121109_105601    20121109_105716 20121109_105725

Dormitorio20121109_102533

El jardín, puede que sea de lo poco más interesante que resultó en la visita.

Como ya hemos dicho, la casa fue reformada casi por completo, así que no se conserva casi nada de ella original, sin embargo el jardín si que tiene aspectos como los caminos de los lados, el muro que tiene esa altura porque justo al lado había un convento de monjas.20121109_102554 - copia

En cuanto a la botánica se refiere únicamente se conservan los 4 cipreses iniciales.

Era un jardín-huerta con árboles frutales y macetas

Poco  a poco pasó de ser un jardín privado a uno público.20121109_102608

Llaman la atención la cerámica del suelo típica de la zona.20121109_102841

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Azulejos pintados con escudos y figuras que nos aportan información sobre bien la situación o lo que se esperaba que sucediese en la época, por ejemplo Alcira, próspera en naranjas.20121109_102627

Cocina no original para hacer el «paripé» algo que no fue de mi especial agrado.20121109_102711 - copiaCapillita a la cual no nos dejaron entrar, una pena.

Muy interesante resulta la mezcla de arcos ojivales (del Gótico) con los elementos que bordean la ventana típicos del mudéjar.20121109_102720

Del ayuntamiento se donaron sillares de la catedral, o algún que otro elemento de edificios de gran importancia en la época, que el señor recogía para aplicarlos en su propia casa.

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Primera sala donde se exponen los trajes tradicionales20121109_104428

Y las obras del padre y el hijo:

En la familia se respiraba el arte hasta por los poros de la piel20121109_104457

Consideré llamarlo la sala de exposición concentrada, donde se cogieron todos los objetos y se amontoron como se pudieron en la misma estancia.20121109_10482420121109_104935

Este fue el objeto que más me gustó fotografiar en la visita, es un tanto siniestro, pero no dejó dejo indiferente a ninguno de los que allí fuimos.20121109_105103

Baúles típicos de la época20121109_105302

Este tallado en madera me encantó, espero tener uno así en casa!, jajaja20121109_105308

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En una casa de artistas no pueden faltar los utensilios de trabajo.

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vitas del patio20121109_10553820121109_105534

Por último la sala de exposiciones: cuadros históricos, retablos, religiosos.20121109_110610

En general fue una visita entretenida, pero no terminaron de gustarme la organización de la casa museo, o la forma de exposición de la misma por ejemplo. Los objetos que la componen son peculiares e interesantes, pero desde luego a mi parecer no tiene color tras ver el Palacio del Marqués de dos aguas, visita la cual preferí disfrutar íntegramente y de la cual no tenía fotografías.

Muy bonita la casa, pero una pena. No da demasiado pie a la imaginación de como se vivía en ella, uno de los factores que podría considerarlos personalmente más importantes.

A fin de cuentas, tan sólo es una opinión.

Un abrazo.

Erató y Melpómene

Pilladainfraganti

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DORIC sky, 2011

Una exposición en el IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno), es una de las salas del segundo piso iba sobre el estilo dórico llamada «Doric» de 2011 del pintor Sean Scully. Visitable desde el 26/7 al 28/10 del 2012. Una pena que ya haya pasado la oportunidad de que podais verla, por ello os la cuento:

Una sala de tipo rectangular alargada donde en el fondo a plena vista desde la entrada se encuentra su obra maestra y principal. (Cielo Dórico)

Doric sky, 2011 Doric sky, 2011.

El trabajo de Sean Scully (Dublín, Irlanda, 1945) es deudor de las influencias de Piet Mondrian, Mark Rothko y Henri Matisse. Aprendiz de tipógrafo, comienza sus estudios en la Central School of Arts de Londres, completando su formación en el Croydon College of Art de Londres, la Universidad de Newcastle y la Universidad de Harvard. Desde 1970, y a partir de sus investigaciones en las ilusiones ópticas, la percepción del relieve a través de estructuras seriadas y la sensación de movimiento a partir de la superposición, Scully reduce su repertorio iconográfico a una serie de líneas, bandas y bloques que se han convertido en representativos de su trabajo, entre abstracto y figurativo, entre lo esencial y lo eterno. Agrupa estos elementos de su pintura en un orden alternativo y además, construye sutiles disposiciones monumentales en las que el contraste entre figura y fondo está neutralizado. El tratamiento del color en su obra encierra todo un proceso artesanal: la superposición progresiva de finas capas impregnadas de pigmentos diferentes que se revelan por transparencia y ofrecen tonos únicos, de gran profundidad, confiriendo una calidez sensual y emoción a sus composiciones abstractas.

Sean scully doric

La exposición que presentamos está dedicada a la serie Doric, pinturas de tamaño monumental que el artista realiza desde 2008 hasta la actualidad y a una serie de acuarelas realizadas en Grecia en los años ochenta, prólogo temático a los grandes formatos de Doric.

No obstante,la influencia de la Antigüedad clásica no se limita únicamente al aspecto formal del proyecto. Scully pretende impregnar asimismo el espíritu de su obra de los mismos valores éticos, políticos y sociales que caracterizaron a la cultura griega:

“la inspiración para ‘Doric’ fue la forma arquitectónica que acompañó al nacimiento de la democracia. Atenas, siendo la cuna de la democracia y todo lo que la continuó en occidente, es a lo que he querido rendir homenaje. He querido expresar orden y humanismo.”

Arran, 1990 óleo sobre maderaArran, 1990. Óleo sobre madera

La serie fue fundamentalmente concebida como una celebración de la contribución de la cultura griega clásica a la humanidad. Las obras encarnan una metáfora de la arquitectura griega “los espacios entre las columnas son un espacio para el pensamiento, para la luz, para el cuestionamiento y el crecimiento” escribe Scully.

Doric Night, 2011 óleo sobre aluminioDoric Night, 2011. Óleo sobre aluminio.

Los tonos claros y oscuros intervienen en un juego complejo de solidez y sombra. Sin duda Atenas es la inspiración global de la serie, pero el papel de Mooseurach – localidad cerca de Munich donde Scully tiene un estudio- también es crucial. Ahí empezó la creación de las pinturas, sobre una pared muy concreta que el artista acabó por considerar esencial para el proceso, “…ahí fue donde hice las pinturas Doric, y las pintaba ya entrada la tarde cuando apenas podía ver lo que estaba haciendo. Me gusta esa claridad” explica. Es llamativo que la solemnidad que Scully buscaba para las obras Doric estuviera forjada en la luz del bosque bávaro, que para evocar a la ciudad y las gentes que son para él la verdadera piedra angular de la humanidad no necesitase estar en una gran metrópolis de sino rodeado de árboles. Hay una poderosa fuerza emocional en su evocación literal del crepúsculo que nos remite directamente al espíritu sensible y el ambiente de Doric Night y Doric Dusk (ambas de 2011).

Pink Bar (barra rosada) 1998 Pink Bar (Barra Rosada), 1998

En las últimas obras de la serie, utiliza una gama de negros de una riqueza muy superior a la empleada durante muchos años; recuerda a sus pintura negras de mediados a finales de la década de los setenta productos de un confeso “romance de cinco años” con el arte minimalista. Como explica: “Las pinturas negras me enseñaron a crear las pinturas Doric”. Para Scully, el negro es indudablemente un color. En esto está en deuda con uno de sus héroes artísticos, Henri Matisse, aunque también hay una conexión clara con las tardías pinturas grises y negras de otra influencia clave, Mark Rothko.

El trabajo de Sean Scully ( Dublín, 1945) siempre se ha caracterizado por la búsqueda de la síntesis y la pureza formal, no exenta de connotaciones espirituales. Sus obras están constituidas a partir de grandes bloques, volúmenes, líneas y bandas de color que conviven ordenadamente en gran armonía compositiva y cromática, apoyándose en relevantes referencias pictóricas como Piet Mondrian, Mark Rothko y Henri Matisse.

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Piet Mondrian                                             Mark Rothko

Naturaleza muerte, Matisse Naturaleza muerta azul, H. Matisse

En `Doric’, el proyecto que nos ocupa, Scully enlaza con coherencia el minimalismo de sus composiciones habituales con la rotundidad del orden dórico clásico. Este estilo arquitectónico está despojado de aditamentos y adornos superfluos, residiendo su gran fuerza visual en su carácter esencial de base primaria. Scully toma la solidez, el equilibrio y la reposada simetría de este orden y los incluye como estructura sustentante de su obra.

La asociación resultante entre pintura y arquitectura no resulta extraña en la trayectoria del artista, pues los campos y lineas de color de sus trabajos evocan frecuentemente  elementos de edificaciones.

Otra fuente fundamental se encuentra en lo que Scully denomina los “negros suntuosos” de los pintores españoles del siglo XVII, en concreto, de Francisco de Zurbarán. La búsqueda de la austeridad en la serie Doric está en deuda con la maestría del extremeño en el empleo de distintos tonos de blanco. “Es una relación metafísica con los materiales muy extraña, la cual es esencial en toda mi obra: la relación entre la materialidad y la luz”. Al igual que en los hábitos religiosos de Zurbarán, los blancos en las pinturas Doric son extraordinariamente delicados en sus tonos de múltiples matices.  El ritmo es esencial en la serie, en 2009 Scully se sentía cada vez más frustrado con el lienzo y decidió pintar sobre Alu-Dibond, un material compuesto formado por dos hojas de aluminio y una capa central de polietileno. Scully ha comparado el sentimiento de pintar sobre el metal con la sección de percusión de una banda de jazz, inevitablemente se produce un ritmo hipnótico que le permite sumirse en las marcas que hace.

Doric Athena, 2011. Óleo sobre aluminio Doric Athenea, 2011. Óleo sobre aluminio.

Scully sabía desde el principio que quería que las pinturas Doric constituyesen “una gran serie que estuviera muy concentrada y no tuviera ramificaciones en otras pinturas, que fuera independiente”. Para lograrlo ha recurrido a las experiencias pictóricas vividas durante la mejor parte de medio siglo, apelando a momentos dispares de su propia historia y, como siempre, revisitando la obra de artistas del pasado cercano y distante. El inicio de la serie Doric es, por tanto, al mismo tiempo una adición de estas ricas fuentes y un nuevo episodio extraordinariamente fértil en la obra de Scully.

Voice, 1993 Voice, 1993

Respecto a la serie de acuarelas expuestas pintadas en la década de los ochenta el artista escribe: “Pasé una semana en la isla de Simi en 1984. Como siempre, cuando viajo me fijo en las casas donde vive la gente. Contemplaba los edificios de Simi y éstos expresaban una monumentalidad limpia y sencilla. Así que hice una serie de acuarelas mientras estaba allí. La segunda que pinté (8.10.84) era más o menos una vista fiel de una gran ventana salediza.

Simi morning 1984 Simi Morning, 1984. Acuarela sobre papel.

Había alquilado un apartamento sobre un acantilado que miraba hacia el mar. La terraza era plana y blanca, en contraste con el azul y el amarillo del mar y la arena. En la mayor parte de estas acuarelas hay ventanas e inserciones arquitectónicas. Inequívocas divisiones geométricas que terminan con Simi Morning, una acuarela amarilla, azul, marrón y blanca que pinté el día antes de irme. Todo influido por Simi. Todo reflejaba el clasicismo incrustado en hasta la más sencilla de las estructuras. Y, por supuesto, está la luz, constante y serena…”

Doric, 2008. Óleo sobre aluminio. Doric, 2008. Óleo sobre aluminio.

 

-Una exposición done desde el principio recuerda a Mondrian y su Neoplasticismo (Mondrian es un pintor que me gusta bastante por gama cromática y alegre y algo reglada), en este caso un estilo más sombrío en el es casi deprimente y algo aterrador…basado en paralelogramos de colores tono grisalla  y algunos más coloridos ya con colores algo más vivos.

Aunque a muchos no les guste este estilo tan «básico» lo veo interesante.

Una sala con forma en planta de dos peines simétricos con las puntas hacia adentro dejando el espacio entre «las púas» para albergar algunos cuadros ,cada vez que avanzabas más grandes e intensos iban siendo y al final con visión recta directa y central el cuadro más grande de Doric Sky.

Un Saludo:

 Carhannah

 

 

 

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